„Wenn es um Karriere geht, dann fallen die Frauen weg.“

(Delta Frauen)

Im November 2016 gründeten Zora Brändle und Jaqueline Mellein die DELTA FRAUEN – ein Netzwerk von Frauen für Frauen im Rhein-Neckar-Gebiet. Damit haben sie einen Ort geschaffen, an dem sich Frauen aus dem Musik- und Kulturbusiness austauschen und gegenseitig unterstützen können. Im Podcast-Interview haben die beiden von ihrer Zukunftsvision für die DELTA FRAUEN erzählt und erklärt, warum ein Frauennetzwerk unbedingt mit Männern kooperieren sollte.

© Delta Frauen

Feminismus und Gleichberechtigung im Musikbiz

Zora und Jaqueline sind beide als Musikschaffende im Rhein-Neckar-Delta unterwegs. Jaqueline ist im Kulturbüro in Ludwigshafen angestellt. Zora arbeitet beim Maifeld Derby in Mannheim, wo sich die beiden auch kennengelernt haben. Sie führten viele Gespräche über das „Frausein in der Musikbranche“ und setzten sich mit den Themen Gleichberechtigung und Feminismus auseinander. Während Zora dem Begriff Feminismus zunächst kritisch gegenüberstand, hat sich Jaqueline schon im Studium viel mit Popkultur und Geschlechterkonstruktion beschäftigt. Sie untersuchte, wie Geschlecht als performatives Mittel in der Popkultur präsentiert und eingesetzt wird. Dabei sei für Jaqueline die Erfahrung am wichtigsten gewesen, „die Normen zu hinterfragen und zu sehen, was passiert, wenn sie gebrochen werden“.

Wo sind die Frauen?

Die reale Schlagkraft des Themas sei ihr jedoch erst nach dem Studium bewusst geworden, sagt Jaqueline. Bei einer Ausschreibung bewarben sich 100 Bands, die Anzahl der Bewerbungen von Frauen war erschreckend gering. Zora und Jaqueline sahen die Probleme, die Frauen in der Gesellschaft und damit auch in der Musikbranche haben: z.B. die klassischen Rollenbilder, das Fehlen von Frauen auf Panels und Festivals, die ungleiche Förderung von Männern und Frauen, das Nicht-ernst-genommen-werden als Frau. Es gebe so viele Frauen, die Musik lieben und Musik machen, aber wenn es an die Karriere gehe, fielen sie weg. „Es sind so viele Dinge zusammengekommen, dass wir gesagt haben: Wir müssen was tun! Wo sind diese Frauen? Wir müssen uns zusammen schließen, dann können wir etwas erreichen.“

DELTA FRAUEN: Gemeinsam – mit Männern! – etwas erreichen

Im November 2016 gründeten Zora und Jaqueline die DELTA Frauen, ein regionales Netzwerk für Frauen aus der Musik- und Kulturbranche in der Metropolregion Rhein-Neckar. Sie starteten mit einer Facebookgruppe und luden einmal monatlich zum Treffen ein. Es entstand ein Schneeballeffekt und mittlerweile zählt das Netzwerk 350 Mitglieder. „Ich bin immer noch fasziniert, wie das passieren konnte, aber die Frauen sind da“, sagt Zora. Zunächst ging es Zora und Jaqueline darum, ein Bewusstsein zu schaffen und für die Themen Chancenungleichheit, Diskriminierung und Alltagssexismus zu sensibilisieren. Oft sei anfangs die Reaktion auf das Netzwerk gewesen: „Warum brauchen wir das?“ Heute sind viele Frauen dankbar und kommen immer wieder. Sie tragen die Themen in die Unternehmen der Musikbranche, so werden auch die männlichen Kollegen eingebunden. Es entstehe nach und nach ein Dialog. „Wir kriegen Gleichberechtigung nur hin, wenn wir in den Austausch gehen“, sagen Jaqueline und Zora. Will sagen: Die DELTA FRAUEN sind offen für Männer.

Empowerment, Selbstbewusstsein, Wachstum

An den Netzwerkabenden habe es von Anfang an eine sehr persönliche Atmosphäre sowie einen offenen und intensiven Austausch gegeben, erzählen Zora und Jaqueline. Es seien starke Freundschaften entstanden. Die Themen reichen von Selbstverständnis und persönlichem Wachstum im Job bis hin zu Grundlagen wie Arbeitsrecht und Gehaltsfragen. Es gehe darum, selbstverständlicher mit diesen Themen umzugehen, um nach außen selbstbewusster auftreten und mehr Forderungen stellen zu können. Durch die regelmäßigen Treffen haben sich Frauen getraut, Veränderungen anzustoßen, wie z.B. den Job zu wechseln oder ein höheres Gehalt zu verhandeln. „Dieser Moment von Empowerment ist unglaublich befreiend und motivierend“, erzählt Jaqueline.

„Warte nicht darauf entdeckt zu werden.“

(Sarah Gulinski)

Sarah Gulinski ist Geschäftsführerin von „What Sarah Said“, einer Service-Agentur für PR und Marketing, die sie noch vor gar nicht allzu langer Zeit gründete. Sie unterstützt Musiker*innen dabei, sich zu positionieren und die richtige Vermarktungsstrategie zu finden. Das Tolle ist: Sie richtet ihr Angebot vor allem an die weniger bekannten Künstler*innen und legt den Schwerpunkt auf den Livebereich. Für meine Podcast-Serie habe ich mit Sarah darüber gesprochen, was gutes Pressematerial ausmacht, wer auf das Cover eines Musikmagazins kommt und wie eine produktive Zusammenarbeit zwischen Promoterin und Künstlerin entsteht.

© Sarah Gulinski

Quereinstieg in die Musikbranche

Sarah ist gebürtige Berlinerin und wollte schon immer „was mit Musik machen“, dennoch schlug sie erst einmal eine andere Richtung ein. Nach ihrem Biologiestudium gelang ihr ein klassischer Quereinstieg in die Musikbranche über ein Praktikum beim – mittlerweile eingestellten – kostenlosen Musikmagazin unclesally*s. Sie habe sich damals „voll reingehangen“ und das Praktikum mit mehren Nebenjobs finanziert. Als ihr im Anschluss eine Redaktionsstelle angeboten wurde, nahm sie begeistert an. Nach ihrer journalistischen Arbeit lernte sie die andere Seite der Medienlandschaft kennen – als PR- und Marketingmanagerin in unterschiedlichen Stationen der Musikbranche (z.B. Virgin Records).

Profi-PR: „präzise und auf den Punkt strukturiert“

Weil Sarah beide Seiten der Pressearbeit kennt – sowohl die journalistische als auch die der Promotion – weiß sie genau, worauf es bei gutem Pressematerial ankommt. „Redakteure haben wenig Zeit“, erklärt sie. Pressematerial müsse daher strukturiert aufbereitet und professionell gemacht sein. Es gehe nicht unbedingt um etwas Ausgefallenes, sondern um „praktikables“ Material, das der Redaktion so wenig Anlass zum Nachhaken gebe wie möglich. Konkret heißt das: hochaufgelöstes Bildmaterial im Hoch- und Querformat, das sowohl für Online- wie Printmedien nutzbar sein sollte und Texte, die in Kürze das Thema auf den Punkt bringen. „Viele neigen dazu, zu viel zu schicken“, sagt Sarah. Auch wenn sie meint, dass ein Thema nicht unbedingt an schlechten Bildern scheitere, sollten die Fotos professionell gemacht sein. Da die Magazine längere Vorläufe haben, d.h. der Redaktionsschluss bereits einige Wochen vor der Veröffentlichung liegt, und um noch Zeit zum Nachhaken zu haben, sollte Pressematerial mit einem Vorlauf von ca. drei Monaten eingereicht werden.

Wer wird gefeatured? Wer kommt aufs Cover?

Die Auswahl der Themen sei von Magazin zu Magazin unterschiedlich, sagt Sarah. Es sei eine Mischung aus angebotenem Material von Promotern und Labels, eigenem Input der Redakteure und international relevanten Themen. „Als Redakteur kann man seine Ohren nicht überall haben und muss manchmal darauf gestoßen werden.“ Bei kostenlosen Musikmagazinen spielen Marketinggelder von Anzeigenkunden ebenfalls eine Rolle. Will sagen: Wenn ein Label eine Anzeige bucht, gibt es Verbindungen zum redaktionellen Teil eines Magazins. Sarah betont, dass auch diese Redaktionen natürlich „nicht komplett käuflich“ sind und den Anspruch haben, die Themen und vorgestellten Künstler*innen gewissenhaft auszuwählen.

In ihrer früheren Arbeit als Event-Promoterin hat Sarah dafür gesorgt, dass Events wie das MELT!-Festival in den Medien gefeatured wurden. Sie erzählt, dass sie mit einer bekannten Marke wie dem MELT! zwar einerseits bei den Redaktionen auf offene Ohren gestoßen sei, andererseits immer neue „berichtenswerte“ Argumente suchen musste, wie z.B. Weiterentwicklung, Neuerungen der Location, spezielle Acts und exklusive Bookings. Es gehe in der PR immer darum, den Newswert zu bedenken, sagt Sarah.

Die Auswahl des Covermotivs wird durch unterschiedliche Faktoren wie Relevanz, Aktualität und die Ausrichtung des Magazins selbst bestimmt. Hier steht die Frage im Mittelpunkt: „Was löst einen Kaufreiz für den Leser aus?“ Ob Newcomer oder musikalische Legende – ein Titel auf dem Cover sei nie per se kaufbar, sagt Sarah.

Rundum-PR-Service für Musiker*innen

Sarah sieht Promoter als „Schutzschild“, d.h. als Instanz zwischen Medien und Künstler. Als Promoterin hat sie oft eine langjährige berufliche Beziehung zu den Musikjournalisten, die Musiker nicht mitbringen (können). Mit ihrer Agentur „What Sarah said“ unterstützt und berät sie Musiker*innen bei den Themen Tour- und Live-PR, klassische Pressearbeit, Marketing und Kampagnenplanung. Sie ist nicht an spezielle Genres gebunden, wichtig sind ihr eher Authentizität und Besonderheit der Musik und dass sie selbst „dahinter stehen kann“.
In der Zusammenarbeit mit Musiker*innen ist es Sarah vorab ein Anliegen, gemeinsam ein individuelles Konzept zu erstellen im Hinblick auf die Ziele und die Medien, in denen Künstler*innen stattfinden und wie sie sich dort positionieren wollen. Hier geht es darum, offen, ehrlich und vor allem realistisch zu sein, welche Medien in Frage kommen. (Bei Newcomern seien es vor allem Onlineredaktionen, Radio und Social Media.) Sarah sagt, dass die sozialen Medien auch für Künstler selbst immer wichtigere Tools werden, um eine direkte Bindung zu ihren Fans aufzubauen.

„Hinfallen gehört dazu.“

(Jovanka von Wilsdorf)

Jovanka von Wilsdorf ist „Artistprofilerin“ u.a. beim Music Pool Berlin, sie gibt Masterclasses und ist als Songwriterin bei BMG Rights unter Vertrag. Sie hat selbst lange Zeit als Kopf verschiedener Bands, Keyboarderin, Gitarristin und Bassistin ihre eigene Musik gemacht, bevor sie anfing, Musiker*innen in ihrer Kreativität zu fördern und im Songwriting zu unterstützen. Im Podcast-Interview hat Jovanka mir erklärt, wie sich Artist Profiling und Coaching unterscheiden, warum sie „Menschen Leben Tanzen Welt“ von Jan Böhmermann großartig findet und welche Parameter einen Popsong erfolgreich machen können. Ich betone „Können“, weil das Schreiben eines Hits am Ende – wie Jovanka sagt – wie Roulette spielen ist.

© David Incorvaia

Von der Geldmusik zum eigenen Elektropop-Duo

Jovanka beschäftigt sich mit Musik, seitdem sie neun Jahre alt ist. Ihre klassische Gesangsausbildung hat sie in San Francisco vertieft. Bevor sie Anfang der 1990er-Jahre nach Berlin ging, hatte sie mit Künstlern wie Marianne Rosenberg und Joachim Witt gearbeitet, um sich zu finanzieren. „Ich bin nach Berlin gegangen mit der Ansage: Ich werde nur noch von Musik leben, die ich selber mache. Koste es, was es wolle.“

Sie gründete das Elektropop-Duo Quarks, bei dem sie und ihr Bandkollege jedes Instrument weglegten, das sie bereits spielen konnten. „Wir wollten nur Instrumente bedienen, die wir nicht können“, sagt Jovanka. Beim Indielabel „Monika Enterprise“ von Gudrun Gut, das extra für Quarks aufgebaut wurde, veröffentlichte sie einige Platten. Mehr aus Zufall wurde sie später beim Major Label Sony unter Vertrag genommen, um festzustellen, dass die Klischees vom bösen Major und guten Indielabel „großer Käse“ sind. So konnte sie sich durch Plattenverkäufe, Touren, Konzerte und später einen Vorschuss von Sony finanzieren. „Ich habe immer gerne und viel gearbeitet, deshalb kann ich gar nicht sagen, was Geld damals für eine Rolle gespielt hat.“

Die Berliner Musikszene der 1990er-Jahre

Jovanka hat die Musikszene in Berlin nach der Maueröffnung von innen heraus als eine sehr inspirierende Phase erlebt. „Es war eine Zeit, wo unheimlich viele Leute ganz begeistert waren und Musik gemacht haben. Berlin war überschwemmt von Musikern, die überall herkamen.“ Doch sie selbst sagt, dass es für sie nicht die eine Musikszene gibt. Die Indieszene habe immer etwas anderes gewollt als die großen Häuser in der Musikindustrie. Sie erinnert sich daran, dass zur damaligen Zeit noch riesige Vorschüsse von Verlagen und Major Labels gezahlt werden konnten und Bands einfach so für zwei Monate für Studioaufnahmen nach England geschickt wurden.

Berufsbild Nr. 1: Songwriting

Als die Zeit mit Quarks zu Ende ging, bekam Jovanka von Sony das Angebot als Songwriterin zu arbeiten. „Ich wusste vorher nicht mal, dass das ein Beruf ist“, sagt sie. Doch ihr fehlte zunächst das Handwerkszeug, sie kannte die Regeln der Branche nicht und arbeitete im ersten Jahr viel, ohne daran zu verdienen. „Ich hatte vorher nur für mich und meinen Geschmack geschrieben“, erklärt sie. Jovanka entschied sich, nur noch direkt mit Künster*innen zu arbeiten und nicht mehr auf offizielle Pitches zu reagieren, an denen zum Teil 600 Songwriter teilnehmen. Heute weiß sie, dass es wichtig ist, sich in einen Künstler und dessen Sprache hineinzudenken und die Themen und Vorgaben der A&Rs (=Artist & Repertoire innerhalb eines Labels) kreativ aufzunehmen und zu verarbeiten. Ihre Textideen bekommt Jovanka vor allem aus der Zusammenarbeit mit dem jeweiligen Künstler oder ihr begegnen Wörter, Punchlines oder ein Chorus in ihrem eigenen Alltagsleben. Sie sammelt dieses Material, um es für spätere Songs verwerten zu können. Jovanka liebt es, mit ganz unterschiedlichen Musiker*innen zusammenzukommen und immer neue Geschichten zu hören. „Wenn du für jemanden anders schreibst, geht es nicht um dich.“ Von Sony wechselte Jovanka zu BMG Rights und betreut dort ihre eigene Verlagsedition. BMG verlinkt sie mit Künstler*innen, regelt das Organisatorische mit der GEMA und bekommt dafür einen (kleinen) Prozentanteil ihrer Einnahmen. Auch wenn sie selbst kein großer Fan vom Networking ist, benennt sie es als wichtigen Schlüssel zur Musikbranche.

„Positiv mit Sehnsucht“ oder Die Parameter der deutschen Popmusik

Den Song „Menschen Leben Tanzen Welt“ von Jan Böhmermann, mit dem er die deutsche Popmusik auf die Schippe nimmt, findet Jovanka großartig. Es sei allerhöchste Zeit für diese Art der Kritik: Die deutsche Popmusik sei stereotyper geworden und sei eine „unheilige GroKo“ mit dem Schlager eingegangen. Jovanka selbst sieht auch die vielen Songcamps kritisch, bei denen das Songwriting nur noch bestimmten Regeln folgt und so immer mehr Singles aus der Retorte produziert werden. Sie glaubt, dass diese Art des Songwritings bald genauso von einem gut programmierten Bot übernommen werden kann. Bei der Frage, welche Parameter einen Popsong zu einem Hit machen, lacht Jovanka auf: „Wenn ich das wüsste, wäre ich die bestbezahlte Frau in Deutschland.“ Dennoch gibt es Regeln: Was heute in Amerika funktioniere, funktioniere in zwei, drei Jahren in Deutschland, erklärt sie. Die deutsche Sprache sei komplexer als die englische, doch ein Song brauche immer etwas Authentisches, das die Leute auf sich und ihr Lebensgefühl beziehen können. Im deutschen Pop bedeute das meistens „positiv, aber mit Sehnsucht“. Ein Hit brauche einen Hook, das heißt, etwas, das leicht ins Ohr hinein, aber schwer wieder herausgeht, eine klare Punchline oder ein Bild, das gut funktioniert. Dennoch sei es wie beim Roulettespiel: „Die Formel gibt es nicht, es muss berühren.“

Berufsbild Nr. 2: Artist Profiling

Jovanka ist im Netzwerk Music Pool Berlin organisiert, einer Anlaufstelle für Musiker*innen und Musikschaffende, die Beratung, Weiterbildung und Vernetzung in Berlin anbietet. Weil sie den Begriff Coaching als zu allgemein empfindet, hat Jovanka sich für die Bezeichnung „Artist Profilerin“ entschieden. In ihren Sessions und Workshops arbeitet sie mit Künstler*innen an ganz unterschiedlichen Themen. Im Mittelpunkt steht die musikalische, kreative und individuelle Stilbildung. Dabei kann es um eine Plattenproduktion gehen, um die Arbeit an Musik und Texten, das Finden des passenden Genres, um Blockaden oder das Image in der Öffentlichkeit. „Im besten Falle finden wir zusammen den Funken, der leuchtet und dann buddeln wir ihn aus. Zu sehen, wie Leute wachsen, ist das Tollste, das es gibt“, sagt Jovanka. Im Gegensatz zum Bereich A&R innerhalb einer Plattenfirma, vermittelt Jovanka nicht zwischen den Interessen eines Labels und einer Band. Es sei eine ganz andere Motivation, mit der die Musiker*innen zu ihr kommen, sagt sie. Für das Artist Profiling schöpft Jovanka aus vielen Jahren Erfahrung mit dem Musikmachen, innerhalb der Musikbranche und aus eigenen Coachings. Oft helfe ihre Perspektive von außen, damit sich Türen öffnen. Die „Treasure Box“ ist eines ihrer Tools: ein synästhetisches Spiel, das den Künstler*innen hilft, sich selbst und ihre Musik auf andere Weise wahrzunehmen – in Farben, Formen, Geschmäckern, Texturen, Schriften, Filmen. Beim „Artist Career Mapping“ werden drei Themenkreise untersucht: die kreative Arbeit, die Strukturierung des kreativen Prozesses und zuletzt die Außendarstellung.

„Schlechte Pressefotos machen mich sauer.“

(Katja Ruge)

Katja Ruge ist Hamburgerin und seit vielen Jahren selbstständige Fotografin. Sie hatte schon diverse musikalische Größen vor ihrer Linse. Außerdem ist sie DJ (das Wort DJane mag sie nicht) und veranstaltet seit Langem erfolgreich ihre eigene Partyreihe.
Im Podcast-Interview hat Katja mir erzählt, was ein gutes Fotoshooting mit einer Musiker*in ausmacht und wie das perfekte Bild entsteht. Sie findet, dass sich Frauen in der Musikbranche mehr zutrauen sollten. Es nervt sie nämlich schon lange, wie wenig diese sichtbar sind.

© Konrad Schmidt

Vom Hamburger Fotolabor in die Musikszene von Manchester

„Zuerst war die Musik da“, sagt Katja auf die Frage, wie sich Musik und Fotografie in ihrem Leben miteinander verwoben haben. Die Fotografie habe sich ganz langsam eingeschlichen. Ab ihrer Teenagerzeit hatte sie beim Ausgehen immer eine kleine Kamera dabei. Später machte sie eine Ausbildung zur Fotolaborantin und seit sie 19 Jahre alt ist, fotografiert sie Musik und Musiker. Die Initialzündung dafür kam, als sie für ein japanisches Magazin ein Heavy Metall Konzert fotografierte. „Da habe ich erkannt, dass das mein Ding ist: Musik fotografieren.“
Katja lebte Anfang der 1990er-Jahre in Manchester, wo sie als Fotolaborantin arbeitete. Sie ging viel in den legendären Clubs der britischen Musikmetropole aus und übte an den Turntables ihres Mitbewohners das Auflegen. Als eines der aufregendsten Projekte ihres Arbeitslebens nennt sie folgerichtig ihre in Buchform erschienene Fotoreportage „In search of Ian Curtis“ über Orte und Menschen, die der Joy Division-Sänger nach seinem Suizid zurückließ. Ein weiterer Meilenstein ihrer fotografischen Arbeit ist für sie eine Bild-Reportage über analoge Synthesizer, aus der ihre erste Ausstellung entstand. Inspiriert davon gründete sie ihre eigene Partyreihe „Kann denn Liebe Synthie sein

Analog oder digital?

In jedem Fall: „Einfach machen!“ Da sich Katja schon so lange in der Musikbranche bewegt (ihre ersten Fotos von Live-Konzerten machte sie 1989), kann sie die Entwicklungen bis heute sehr genau wahrnehmen. Sie beschreibt die Stimmung vor der Digitalisierung als offener, entspannter und weniger kontrolliert. Denn: „Da war Kohle da.“ Für sie als Fotografin haben sich neue Herausforderungen ergeben und sie findet nicht, dass die digitale Fotografie unbedingt eine große Erleichterung bedeutet. Sie arbeitet (ohne Fotolabor im Hintergrund) viel mehr alleine als früher und hat zahlreiche Aufgaben zu bewältigen. Trotz digitaler Möglichkeiten hat sie einen anderen Anspruch an ihre Bilder: „Ich versuche, ein Bild so gut wie möglich zu fotografieren und so wenig wie möglich nachzubearbeiten.“

Spannend findet Katja zurzeit, dass auch Major-Labels Vinyl-Editionen und eigene Print-Kataloge veröffentlichen und dass sich kleine Labels auf Plattformen wie Bandcamp präsentieren können. „Man hat viele Chancen als Künstler selbst zu agieren. Das finde ich aufregend und cooler.“ Selbst zu agieren, ist immer auch Katjas eigener Antrieb gewesen. „Einfach machen, das ist mein Credo. Ich habe mich immer wieder ausprobiert und mich gefragt, wofür schlägt mein Herz?“ Sie habe sich vieles von ihren Vorbildern (Herb Ritts!) abgeguckt, Bücher gelesen und recherchiert, wie sie gearbeitet haben.

„Wie Musiker, die zusammen ins Studio gehen“

Ein Shooting beschreibt Katja als Zusammenarbeit mit dem jeweiligen Künstler, den oder die sie porträtiert. Ein perfektes Foto entstehe aus der gemeinsamen Energie. Sie bespricht vorab, was er oder sie sich vorstellt und welche Geschichte mit dem Bild erzählt werden soll. Es sei wichtig, sich vorher abzustimmen, erklärt sie, doch ebenso wichtig sei es, die Tür aufzulassen, für das, was an dem Tag passiere. „Das ist wie bei Musikern, die zusammen ins Studio gehen und einfach jammen. Da entstehen die schönsten und kreativsten Sachen.“

Wie will ich als Musiker*in visuell wirken?

Im Gegensatz zu amerikanischen Künstlern, hinter denen ein professionelles Management steht, seien deutsche Musiker oft allein unterwegs. Katja findet es wichtig, sich schon am Anfang der musikalischen Karriere professionell beraten zu lassen. Gerade im Hinblick auf den visuellen Auftritt sei das heute wichtiger denn je. „Musik und Bild verschmelzen heute noch viel mehr miteinander als früher“, sagt Katja. Es gehe nicht mehr nur um die Musik, sondern um Eyecatcher, die Bildsprache und den Content drumherum.
Sowohl für die sozialen Medien als auch für die PR-Arbeit werden ständig neue Bilder gebraucht. Dabei sind gute Pressebilder wichtig, d.h. Fotos, die eine Aussagekraft haben und sowohl die Follower als auch die Redaktionen anteasern. Deshalb rät Katja Musikern, sich vorab zu überlegen, wo es für sie künstlerisch hingehen soll, wie sie wirken wollen und an der Aussage ihrer Bilder zu arbeiten. Neben einer guten Qualität sei schon mit kleinen Ideen viel gewonnen: ein besonderes Styling, die passende Perspektive, eine spannende Location oder außergewöhnliche Tools. Katja meint: „Künstler*innen, seid mutiger! Geht Kooperationen ein! Du kannst mit wenig soviel machen.“

„Ich wusste nicht, ob meine Crowdfunding-Kampagne glücken wird.“

(Fräulein Frey)

Steffi Böhnke macht unter ihrem Künstlernamen Fräulein Frey „freyen-hanseatischen“ Pop. Im vergangenen Jahr gründete sie im Alleingang ihr eigenes Label Janetomat Records und veröffentlichte ihr Debütalbum „Hallo Leben“. Sie finanzierte die CD-Produktion mit Hilfe einer Crowdfunding-Kampagne. Für meine Podcast-Serie haben wir über die Herausforderungen gesprochen, die ihr in dieser Zeit begegnet sind.

© Fräulein Frey

Real life & Showbiz: Vom Büro auf die Bühne

Steffi beschreibt ihre Entwicklung zur Musikerin als stufenweise, es gab jedoch verschiedene Schlüsselmomente. Als sie zum ersten Mal begleitet von einer Band sang, hatte sie am ganzen Körper Gänsehaut und wusste: „Ich bin hier genau richtig. Ich muss das machen.“ Sie arbeitete in einem klassischen Bürojob und überlegte, wie sie ihr musikalisches Talent − ohne Ausbildung oder Studium − auch beruflich verwirklichen könnte. Erste Bühnen- und Banderfahrungen hat sie gesammelt, sie textete Songs und konnte „ganz passabel“ Gitarre spielen. Die Einsicht kam ihr tatsächlich im Büro: „Ich kann mir das ja einfach selber bauen. Ich gebe mir die Basics, die ich brauche und probiere mich aus.“ Also kündigte Steffi ihren Job und schenkte sich Zeit, um sich in Musiktheorie, Gehörbildung und Songwriting weiterzubilden. Sie nahm Gitarrenstunden und testete sich mit verschiedenen Bands in unterschiedlichen Genres und Settings aus. Nach und nach entwickelte sich ihr Projekt Fräulein Frey. Mit ihrer Band macht sie heute „deutschsprachigen Pop mit anspruchsvollen Texten“. Steffi will ihr Publikum unterhalten, ihre Konzerte sind sehr energiegeladen.

Die Strukturen der Musikbranche verstehen

„Damals bin ich erstmal losgegangen“, erzählt Steffi. Doch beim Booking stieß sie schnell an Grenzen und merkte, dass sie Türöffner brauchte. Sie recherchierte und fand RockCity, einen Verein, der Musikschaffende in Hamburg vernetzt. Über ein Mentoring-Programm zum Thema Selbstvermarktung baute sie ihr Netzwerk auf. Sie traf Musikerinnen, Toningenieure, Journalisten und Booker. Langsam entwickelte sie ein Verständnis für die Musikbranche: „Das sind die Bereiche, das sind die Rädchen, das sind die Interessen, so funktioniert das.“ Als sie soweit war, ihr Debütalbum aufzunehmen, ging Steffi wieder zielstrebig los: Sie machte Marktrecherche, fragte Produzenten und informierte sich über Kosten von Equipment, Aufnahmetagen im Studio, Mix und Mastering. Doch ihre Ersparnisse reichten nicht und sie entschied sich, ein Crowdfunding zu starten. Steffi bringt die Definition von Crowdfunding auf den Punkt: „Viele Leute schmeißen Geld zusammen, mit dem sie eine Idee oder ein Produkt finanzieren.“

Crowdfunding: Von der Vorbereitung über das Pitchvideo zur Plattform

Ihre Crowdfunding-Kampagne bereitete sie ca. ein Jahr mit ihrer Band vor. Auch dafür brauchte das Projekt Fräulein Frey Geld, z. B. für Demoaufnahmen und einen professionellen Auftritt inkl. Website, Fotos, Texten und Facebookpage. Steffi sammelte über Gigs Geld. Die Band trug das Projekt mit und verzichtete auf die Gage. Das Pitchvideo, Kernstück eines Crowdfundings, musste ebenfalls finanziert werden: „Es ging darum zu zeigen, dass das Projekt Potenzial hat, dass wir tolle Songs haben und dass Fräulein Frey eine Musikerin mit Band ist, die etwas auf die Beine stellen kann.“

Über die regionale Plattform Nordstarter der Hamburg Kreativ Gesellschaft launchte sie ihre Kampagne. Nordstarter richtet sich speziell an Künstler und Kreative, hat Ansprechpartner vor Ort und bietet Workshops an. Hier bekam Steffi Anregungen im Hinblick auf die Dankeschöns für die Unterstützer und wie sie ihr Anliegen für ihre Zielgruppe auf den Punkt bringen konnte.

„Die Musikszene in Brandenburg wird unterschätzt!“

(Franzika Pollin)

Franziska Pollin ist Projektleiterin der Popularmusikszene im Land Brandenburg. Sie macht Netzwerkarbeit, betreut Projekte, gibt Informationen weiter und ist regionale Ansprechpartnerin für Musiker*innen und Musikschaffende. Im Podcast-Interview haben wir über die infrastrukturellen Gegebenheiten eines Bundeslandes gesprochen, das vom Leben und Treiben der Hauptstadt überschattet wird. Franziska erzählt, was Brandenburg besonders macht und stellt den POPUP Kongress vor. Eine Pflichtveranstaltung für alle Musikerinnen und Musiker vom 22. bis 23. März 2018 in Potsdam!

© Franziska Pollin

Lobbyarbeit für die Popmusikszene

Franziska arbeitet seit 2016 als erste Popularmusikbeauftragte im Land Brandenburg. Sie ist gleichzeitig Projektleiterin, Netzwerkerin, Informations- und Servicestelle sowie Sprachrohr für ihre Lobby, die Popularmusikszene. An sie können sich Musiker*innen, Bands, Tonstudios, Labels und Veranstalter wenden – mit Fragen zu Förderungen, Auftrittsmöglichkeiten und den Anlaufstellen rund um das Musikbusiness in Brandenburg. „Die Musikszene lebt nicht nur davon, dass Bands vor Ort sind, sondern dass sie auch ‚verwertet‘ werden. Dass sie ihre Platte aufnehmen, auf Tour gehen können, Auftrittsmöglichkeiten haben“, sagt Franziska. In Brandenburg müssen jedoch erst die Strukturen gebildet werden, die in anderen Bundesländern bereits vorhanden sind. Ihr Aufgabenfeld sei so umfangreich, dass es sich nicht auf einen Begriff auf einer Visitenkarte fassen lasse. Ihr täglicher Workload reiche für zwei weitere Vollzeitstellen. Nur für bestimmte Projekte (z.B. den POPUP Kongress) arbeitet Franziska mit freien Honorarkräften.

Poplandkarte Brandenburg: Forderungen & Förderungen

„Es ist nicht nur eine Bundesaufgabe, Popularmusik zu unterstützen, sondern auch Länderaufgabe“, sagt Franziska. Ihre Stelle wurde aus der Forderung der regionalen Popmusikszene heraus geschaffen, um diese zu stärken und sichtbar zu machen. Franziska ist beim „LAG SozioKultur Brandenburg“ angestellt, der auf Landesebene vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kultur in Potsdam gefördert wird. Für die Strukturförderung unter dem Programmtitel „ImPuls Brandenburg“ kommen Gelder über die Initiative Musik aus Bundesmitteln. Damit entwickelt und realisiert Franziska Projekte in den drei Arbeitsfeldern Vernetzung, Auftrittsmöglichkeiten und Professionalisierung.

Als Lobbyistin für die regionale Popmusikszene hat Franziska die Poplandkarte Brandenburg entwickelt, die die Geographie des brandenburgischen Musikbusiness’ spiegelt. Die Poplandkarte soll laut Franziska die digitale Vernetzung der Branche vorantreiben. Es ist eine dynamische Karte, die sukzessive wachsen soll. Hier können sich Musiker*innen und Musikschaffende online registrieren. Gelistet werden Veranstalter, Tonstudios, Proberäume, Labels, Förderinstitutionen und Bildungsstätten. Festivals sind bisher am stärksten vertreten, andere Bereiche, z.B. Labels, sind noch dünn besiedelt. „Wenn eine Band ihre Platte aufnehmen will, ist die Verlockung groß, sich in Berlin jemanden zu suchen,“ erklärt Franziska. In Berlin ist das Angebot an Tonstudios, Labels, Bookingagenturen etc. groß. Das gibt es in Brandenburg (noch!) nicht in dem Umfang.

Festivalland Brandenburg vs. Clubhauptstadt Berlin

Brandenburg ist infrastrukturell anders als Berlin, hier müssen z.T. weite Fahrtwege zurückgelegt werden. Es geht Franziska in ihrer Arbeit darum, die regionalen Möglichkeiten sichtbar zu machen und strategisch zu überlegen, welche Branchenbereiche in Brandenburg gefördert werden sollten. Die Förderung auf Landesebene ist in Berlin viel stärker entwickelt als in Brandenburg. Es gibt das Musicboard Berlin, die Clubcommission Berlin und die berlin music commission, die mit Landes- und Senatsgeldern gefördert werden. Die Berliner Club- und Musikszene hat es geschafft, ihre Wirtschaftlichkeit und Wertschöpfungskette öffentlich zu machen. In Brandenburg fehle noch das Verständnis für die Szene und dass das Wirtschaftsministerium ihr Potential erkenne. Franziska sagt: „Wir brauchen zum einen Künstlerförderung und im gleichen Zuge eine Förderung für kreativ und wirtschaftlich Arbeitende, z.B. Festivalförderung.“

Brandenburg ist ein Flächenland und bietet damit Raum für Festivals und Open-Air-Konzerte. Viele regionale Veranstalter sind seit langem im Bundesland erfolgreich. Doch auch für die Berliner Musikschaffenden liegt Brandenburg „vor der Haustür“ und ist als Ort für Festivals attraktiv. Konkurrenzgedanken im Hinblick auf Berlin sieht Franziska eher kritisch und wird mittlerweile ungern auf den satirischen Song „Brandenburg“ von Rainald Grebe angesprochen (Hier geht es zum YouTube Video). Sie möchte weg von Konkurrenzgedanken im Hinblick auf Berlin und sich auf die Stärken und das Potenzial des Bundeslandes konzentrieren. Die Szene verstehe sich wunderbar, es entstehen tolle Kooperationen. Franziska ist mit Initiativen unterschiedlicher Bundesländer vernetzt. „Ich finde es extrem wichtig, sich auszutauschen und miteinander in Kontakt zu sein.“

„Wir haben kein Frauenproblem in der Musikbranche“

(Jörg Tresp)

Jörg Tresp bezeichnet sich selbst als Mega-Musiknerd. Er arbeitet seit 1994 in der Musikbranche und hat in seiner Laufbahn viele Stationen durchlaufen, angefangen mit einem Praktikum als Promoter über die Arbeit als Produktmanager bis hin zur Führungsposition im Marketingdepartment bei einem Majorlabel. Heute ist er – neben einigen anderen Standbeinen – Labelinhaber von DevilDuck Records.
Ich habe Jörg Tresp für meine Podcastserie interviewt. Er erzählt, wie er Frauen in der Musikbranche wahrnimmt und warum sich noch keine zur aktuellen #metoo Debatte zu Wort gemeldet hat.

© Jörg Tresp

Vom Promoter zum Entdecker

„Das Entdecken einer Band und die mögliche Vermarktung dahinter, wie man diese Künstler weiterentwickelt, das ist für mich die Triebfeder von allem“, sagt Jörg Tresp über seine Arbeit als Labelinhaber. Für sein Indielabel „DevilDuck Records“ sucht und findet er Künstler, nimmt sie unter Vertrag, kommt für alle Kosten der Veröffentlichung auf und trägt das volle Risiko. Dafür werden jedoch die Rechte für einige Zeit an ihn abgetreten. „On the side“ betreibt Jörg den Labelservice „Dan Can“: Hier wird er von den Musikern bezahlt, ihre Platte zu veröffentlichen, zu vertreiben und zu promoten. Die Rechte bleiben bei den jeweiligen Künstlern.

Weniger Major, mehr Nische

Im Gegensatz zu seiner früheren Arbeit beim Majorlabel ist seine Zielsetzung heute eine ganz andere: „Mir ist meine Nischenorientierung extrem wichtig. Das Wichtigste ist für mich, dass ich mich nicht nach einem Markt richte.“ Beim Majorlabel drehte sich alles um das Timing, das einige Monate vor Veröffentlichung einsetzte: Budgetplanung, Marketingmaßnahmen, alles musste so abgestimmt werden, dass auf den Zeitpunkt der Veröffentlichung das klare Ziel folgte, die jeweilige Platte in den Charts (und zwar auf Platz 1!) zu platzieren. Heute geht es Jörg darum, Künstler langfristig zu entwickeln und nicht bestimmte Marktdiktate zu erfüllen. Jörg kann den Bands, die er unter Vertrag hat, keine Vorschüsse zahlen wie ein Majorlabel. Er investiert in Marketing und Promotion, doch nur wenige Platten spielen die Investitionen wieder ein, so dass Jörg vieles querfinanziert.

DevilDuck Records = 14 Jahre Indie

Jörg profitiert von dem Wissen, das er in der Zeit beim Majorlabel gesammelt hat. Außerdem nutzte er die Abfindung aus seiner letzten Position als Startkapital für seine Selbstständigkeit. Mittlerweile betreibt er DevilDuck Records seit 14 Jahren, in dieser Zeit hat er ca. 40 Bands und Solokünstler veröffentlicht. Er hat die Musik für sein Label, wie er selbst sagt, durch klassische A&R-Recherche gefunden (Artist and Repertoire = Künstler entdecken und entwickeln). Er ist vor allem auf kanadische Bands spezialisiert, z. T. vertritt er auch US-amerikanische oder skandinavische Künstler. Das liege an seinem Musikgeschmack, erklärt er: „In Europa entdecke ich nicht so oft Bands, die mir am Herzen liegen.“ Zudem haben die Kanadier ein Fundingsystem, das es einfacher macht, kanadische Bands auf Tour zu holen, was für ein Label essentiell wichtig ist.

„Deutschland ist ein sehr offener Markt.“

Der deutsche Markt besteht zu 70% aus deutschsprachig gesungenen Texten, was wenig Jörgs Geschmack entspricht (Stichwort: „Schwiegersohnmusik“) und es schwieriger macht, englischsprachige Musik in Deutschland zu veröffentlichen. Es gibt zudem wenig deutsche Künstler, die englischsprachige Musik veröffentlichen. Der deutsche Markt sei sehr textfixiert, sagt Jörg. Dennoch hat der deutsche Markt im internationalen Vergleich einen hohen Stellenwert, gerade für (nicht nur kanadische) Newcomer. „Deutschland ist ein sehr offener Markt“, sagt Jörg. Für kanadische Musiker sei es außerdem geradezu luxuriös, durch Deutschland und Europa zu touren. Die großen Distanzen in Kanada und in den USA machen das Touren dort strapaziös und einen Durchbruch als Musiker schwieriger. Außerdem sei Deutschland ein sehr physischer Markt, fügt Jörg noch hinzu. Die USA und Kanada seien bereits viel digitaler ausgerichtet. „Für mich ist die Mischung aus Streaming und Vinyl das, was Sinn macht“, erklärt Jörg. Vinyl funktioniere natürlich nicht in allen Genres, vor allem nicht in der Mainstream Musik. Im Bereich Indie oder Singer/Songwriter sei das jedoch anders: „Je nischiger ein Genre ist, desto besser funktioniert Vinyl“, sagt Jörg.

Ellenbogen & Gockelgehabe oder:„Die Musikbranche ist eine der unsichersten Branchen.“

Im Februar hat die GEMA die Nominierten des Musikautorenpreises bekannt gegeben, was wieder einmal die Imbalance der Geschlechterverhältnisse in der Branche zeigte: Es wurden 21 Männer nominiert und eine Frau, die Jury ist sogar zu 100% männlich. Jörg sagt, die Musikbranche sei immer schon eine eher männlich dominierte Nerd- und Ellenbogenbranche gewesen und eben auch eine der „unsichersten Branchen“. Im Vertrieb sowie im Marketing, wo die Budgetverantwortung liegt, seien bei den Majorlabels eher die Männer zu finden, die Frauen arbeiteten meistens im Bereich Promotion.

„Mein Kind war kein Karrierekiller“

(Josephine Wirtssohn)

Josephine Wirtssohn wollte immer schon die Kunst zu ihrem Beruf machen. Als Kind bekam sie Ballett-, Klavier-, Chor- und Gesangsunterricht. Später ließ sie sich zur Musicaldarstellerin ausbilden und trat im TV, bei Dinnershows, in Bühnenstücken und Musicals auf. Nach der Geburt ihres Kindes hat sie heute ihre besondere Nische mit dem Thema Musik für Kinder gefunden. Sie bringt Kindern Musik, Tanz und die Bühne in ganz unterschiedlichen Kontexten nahe, z.B. mit dem Poptrio Apila. Außerdem reden wir darüber, welchen Einfluss die ungeplante Schwangerschaft auf ihre Karriere hatte, wie sie als Mutter in der Musikbranche arbeitet und wie sie zur #metoo Debatte steht.
Für meine Podcast-Serie habe ich Josephine Wirtssohn getroffen. Sie erzählt von ihrem Weg in der Musikbranche und warum sie mit ihrer Frauenband ausgerechnet Musik für Kinder macht.

© Josephine Wirtssohn

Showbiz zwischen Glitzer und Gesellschaftskritik.

„Ich wollte auf jeden Fall auf die Bühne“, sagt Josephine. Sie war fasziniert von Glitzerkostümen und Federschmuck in alten Musicals, Revuen und Varietés. Gleichzeitig haben sie Stücke mit Tiefgang und satirische Shows mit politischem und gesellschaftskritischem Anspruch gereizt. Ihr erstes Engagement hatte sie als Tänzerin und Sängerin in einer Satiresendung des ZDF. Über Ausschreibungen, Bewerbungen und anschließende Auditions bekam sie ihre Aufträge und jobbte nebenbei, wenn diese ausblieben. Der Konkurrenzdruck in ihrer Branche ist hoch, es gibt zu viele Künstler*innen auf zu wenige Jobs. Absagen sind selbstverständlich, oft geht es dabei um das Aussehen. „Da muss man einfach das Beste draus machen, es kommt wie es kommt“, sagt sie. Josephine konnte sich ihre positive Einstellung erhalten. Sie erlaubte sich einen Tag Selbstmitleid und „dann hab ich wieder losgelegt, war wieder motiviert und hab einfach weitergemacht.“

Zeit für eigene Projekte: Mutterschaft & Musikbranche

Mit der Geburt ihres Sohnes veränderte sich Josephines Berufsleben komplett. Während der Schwangerschaft hatte sie Angst, ob sie als Mutter in der Musikbranche noch ernst genommen würde und ob sie ihren Beruf als Tänzerin weiter ausüben könnte. Doch ihre Befürchtungen bewahrheiteten sich nicht, es kam alles ganz anders. Sie konnte weiter auf der Bühne arbeiten und mit der Unterstützung ihrer Familie ihre eigenen Projekte entwickeln. „Mein Sohn hat mich total inspiriert, meine eigenen Sachen zu machen“, erzählt Josephine. Sie entschied sich, nicht mehr auf Tour zu gehen. Stattdessen begann sie, Musik und Tanz zu unterrichten und mit zwei früheren Kolleginnen eine eigene Band zu gründen. Das Trio „Apila“ (finnisch für „Klee“) macht Popmusik mit deutschen Texten für Kinder. Die Idee dazu kam Josephine beim Unterrichten: „Die Kinder haben mich immer gefragt, ob ich eine Band habe und warum ich meine Musik nicht auf der Bühne spiele oder es von mir keine CDs zu kaufen gibt.“ Die Musik von Apila ist beeinflusst vom Swing, denn die drei Ladies lieben den Style der Fifties und natürlich die Frisuren.

„In der Kindermusik kannst du über alles schreiben.“

Josephine schreibt die Texte für Apila selbst, auch wenn sie sich das professionelle Songschreiben lange nicht zutraute. Ihren ersten Song schrieb sie ganz spontan aus einer Laune heraus. Mit ihren Texten möchte sie Kinder und Eltern in einen Dialog bringen und die Kinder anregen, ihren Eltern Fragen zu stellen. „Ich finde es total schade, wenn man Kinder nicht ernst nimmt“, sagt sie. Das habe sie in der Kindermusik oft vermisst und sie möchte, dass es gute Musik mit guten Texten für Kinder gibt. Sie spielt mit Klischees, baut Wortspiele und ironische Hinweise ein, damit sich Erwachsene genauso von ihren Songs angesprochen fühlen. Dennoch fühle sie sich in der Kindermusik freier, über alles zu schreiben, was ihr in den Sinn kommt. Das könne sie sich bei Musik für Erwachsene nicht vorstellen.“

#metoo oder Die feministische Weihnachtsfrau

Einer der Songs aus dem letzten Jahr, für den Apila sehr positives Feedback bekommen hat, heißt „Die Weihnachtsfrau“. Es ist ein feministisch angehauchter Weihnachtssong, in dem die Weihnachtsfrau nicht mehr nur zuhause sein und Geschenke einpacken will. Sie will endlich auch einmal mit dem Schlitten durch die Gegend ziehen! Der Text spiegelt Josephines Erfahrungen in der Musikbranche wider. Für Apila als Frauenband, die zudem Musik für Kinder macht, gibt es einige Hindernisse zu überwinden. Sie sagt, dass auch in ihrer Nische die von Männern gemachte Musik und männliche Interpreten dominieren. Josephine erzählt von ihren persönlichen Erlebnissen mit der typischen Verteilung der Geschlechterrollen. Sie ist feministisch aufgewachsen und begrüßt die aktuelle #metoo Debatte. „Sie öffnet mir nochmal wirklich die Augen und ich merke im Nachhinein, ich habe vieles einfach so hingenommen.“

Nischemusik, #metoo und ein Erklärungsansatz

(Sarah Maria Sun)

Sarah Maria Sun ist eine der führenden Interpretinnen zeitgenössischer klassischer Musik. Sie tritt als Solistin auf und stand mit Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Kent Nagano oder Thomas Hengelbrock auf der Bühne. Zudem gibt sie Meisterkurse für Vokalmusik des 20. und 21. Jahrhunderts und hat sich im autonomen Frauenhaus in Stuttgart ehrenamtlich engagiert.

Ich habe Sarah Maria Sun zum Interview getroffen. Wir sprechen darüber, was ihre Arbeit in der E-Musik charakterisiert und wie sie mit viel Arbeit und Networking dahin gekommen ist, wo sie heute steht. Außerdem erzählt sie von ihrem ehrenamtlichen Engagement und ihrem Standpunkt in der #metoo Debatte.

© Sarah Maria Sun

„Es war ein großes Bedürfnis, dauernd Musik zu machen.“

Ihr erstes Instrument war die Gitarre. Schon mit 6 oder 7 Jahren wurde klar, dass bei Sarah Maria Sun Musik mehr ist als nur ein Hobby. „Mein damaliger Gitarrenlehrer hat gleich geschnallt, dass da emotional so viel bei mir passiert, wenn ich Musik mache“, sagt sie. Mit 15 hatte sie das klassische Gitarrenrepertoire einmal komplett durchgespielt. Sie habe schon gesungen, bevor sie laufen konnte, erzählt Sarah. Mit neun Jahren bekam sie Gesangsunterricht. Heute umfasst ihr Repertoire neben zahlreichen Liedern, Opern und Oratorienpartien etwa 700 Kompositionen des 20. und 21. Jahrhunderts. Doch das Repertoire erscheint unendlich. „Man ist froh, wenn man in seinen Lebensjahren einen winzigen Teil davon beackern kann. Ich versuche soviel wie möglich kennenzulernen und durch mich durchgehen zu lassen.“

Milestones, Namedropping, Networking

Mit 17 Jahren begann Sarah Maria Sun in Köln Gesang zu studieren. Seit 1999 bewegt sie sich als selbstständige Künstlerin in der Musikbranche und hat mit vielen berühmten Musiker*innen zusammengearbeitet. Ihre größten persönlichen musikalischen Meilensteine, z.B. die Arbeit mit dem „Gott der Oboe“ Heinz Holliger, seien nicht unbedingt karrieretechnisch am wichtigsten gewesen. Da habe ihr die Zusammenarbeit mit großen Namen der klassischen Musikszene natürlich geholfen. „Im Rückblick würde ich sagen, dass sich bestimmte Weichen durch viele kleine Dinge gestellt haben“, sagt Sarah. Mittlerweile hat sie sich ein breites Netzwerk erarbeitet und die Angebote und Engagements ergeben sich von selbst. Das ist das Ergebnis von Sarahs Fleiß und harter Arbeit, d.h. jahrelanges Klinkenputzen, Self-PR und 100-Stunden-Wochen. Die PR-Arbeit macht heute eine Freundin. Zudem arbeitet sie seit Kurzem mit einer Agentin zusammen, die Recherche, Akquise und das Auftragsgeschäft übernimmt. In ihrer Karriere habe sie natürlich auch viele Enttäuschungen erlebt. „Jedes Mal, wenn man abgelehnt wird, fühlt man sich am Boden zerstört“, sagt Sarah. Was ihr geholfen hat, sind ihre eigene Widerstandsfähigkeit, die Unterstützung ihrer Familie und Freunde und vor allem die große Liebe zur Musik.

Nischenarbeit = „Kein Justin Timberlake Song“

Schon während ihres Studiums entstand Sarahs Begeisterung für die spezielle Nische, für die sie heute berühmt ist: die neue Musik. Das Publikum für diese musikalische Richtung ist begrenzt. Die neue Musik erfordert sowohl von Sarah als auch von ihren Fans besondere Beharrlichkeit: „Die neue Musik ist manchmal sehr kompliziert, sehr sperrig und oft sehr politisch oder man muss sich damit viel beschäftigen. Das erschließt sich einem nicht so schnell wie ein Justin Timberlake Song.“ Sarah muss mehr arbeiten als andere Sänger*innen, da die Gagen und Förderungen in ihrer Nische geringer sind. Dennoch ist sie jeden Tag dankbar dafür, dass sie von ihrer Musik leben kann. „Ich darf das machen, was ich am liebsten mache und verdiene damit mein Geld.“

„Dafür wird man nicht mehr bezahlt.“ – Von kleinen Pressauflagen & Digitalisierung

Sarah erzählt, dass sie immer bis zu fünf Jahre vorplant und gleichzeitig an 20 bis 30 Projekten arbeitet. Ihre Haupteinnahmequelle sind und waren schon immer Konzerte und Bühnenstücke. Sie bringt zwar auch CDs mit eigenen Programmen heraus, im Jahr 2017 waren es sechs CDs. Doch sie sagt, die CDs müsse sie mittlerweile mitfinanzieren, da die Labels das nicht mehr könnten. Zum Zeitpunkt, als Sarah aus dem Studium kam, existierten die großen Plattenfirmen bereits aufgrund der Digitalisierung nicht mehr. Sie arbeitet mit keinem festen Plattenlabel zusammen, es ist mit ihrer speziellen Nische nicht möglich. Genau das bietet ihr jedoch kreative Freiheit. „Ich kann mir den Kopf heiß diskutieren mit Leuten und zusammen wilde Programme entwickeln“, erzählt sie begeistert. Die Pressauflagen von CDs in der neuen Musik schätzt sie auf regulär ca. 1.000 Stück, was sich natürlich nicht mit den Auflagen von Popgrößen vergleichen lässt. Sarah empfindet die Digitalisierung auch als vorteilhaft. Heute sei es vielen Menschen möglich, ihre Musik zu hören, die sie ohne das Internet nicht wahrnehmen könnten. Trotzdem sieht sie den Bedarf an der Verbesserung der Gesetze im Hinblick auf die Streamingdienste.

„Wir müssen ein Bewusstsein dafür schaffen, dass Musik einen Wert hat.“

(Verena Blättermann)

„Die Musikbranche ist so innovativ und ich glaube, dass sie das Thema Diversity vorantreibt.“

In einem stilechten Berliner Hinterhofbüro habe ich Verena Blättermann getroffen. Sie ist Referentin für Öffentlichkeitsarbeit und politische Kommunikation sowie stellvertretende Geschäftsführerin des Verbands unabhängiger Musikunternehmen (kurz: VUT). Im Interview erklärt Verena, was die „Value Gap“ ist und was Youtube damit zu tun hat. Außerdem spricht sie darüber, dass wir ein neues Bewusstsein für den Wert von Musik brauchen und wie sich die Geschlechtergerechtigkeit in der Musikbranche entwickeln wird.

© Marc Boehlhoff

Aber was ist eigentlich der VUT?

Der VUT ist ein bundesweiter Verband, der unabhängige kleine und mittelständische Musikunternehmen vertritt – mit Regionalgruppen in ganz Deutschland. Das „T“ in VUT steht übrigens ursprünglich für das etwas altmodische Wort Tonträgerhersteller, denn der Verband wurde bereits in den Neunzigern gegründet. Mitglied werden können Labels, Verlage, Vertriebe, Produzent*innen und auch selbstvermarktende Künstler*innen, sofern sie eine Unternehmensform haben. Hard fact am Rande: Die unabhängige Musikwirtschaft hat einen Marktanteil von rund 35% und bestreitet sogar 80% der Neuveröffentlichungen! Das oberste Ziel des VUTs ist es, faire Wettbewerbsbedingungen und fairen Marktzugang für alle Musikunternehmen zu schaffen – unabhängig von ihrer Größe. Verena sagt: „Wir geben ihnen eine Stimme, vertreten ihre Interessen und wollen dafür sorgen, dass die musikalische Vielfalt mehr Wertschätzung erfährt.“ Der VUT bietet Beratung für seine Mitglieder an, z.B. zum Thema Existenzgründung und in juristischen Fragen, und es gibt Vergünstigungen durch Rahmenverträge mit der GEMA.

Warum Künstler*innen das Musikuniversum verstehen sollten:

In der Küche des VUT-Büros hängt ein Poster des „Musikuniversums“ (HIER). Es zeigt die Geldflüsse der einzelnen Gewerke in der Musikbranche. Verena findet es wichtig, dass sich auch Künstler*innen mit den Strukturen der Branche auseinandersetzen. „Ich glaube, jeder sollte sich damit beschäftigen, welche Akteure es überhaupt gibt, wer mit wem zusammenarbeitet, wohin das Geld fließt und woher es kommt.“ Deshalb veranstaltet der VUT Workshops zum „Musikuniversum“.

Verena erzählt, dass das letzte Jahr für sie in politischer Hinsicht vor allem vom Thema „Value Gap“ dominiert wurde. Der deutsche Musikmarkt wird immer digitaler, bereits knapp 50% des Umsatzes werden über Streaming und Downloads erwirtschaftet. Die „Value Gap“ bezeichnet die Diskrepanz zwischen den Ausschüttungen von YouTube im Vergleich zu den voll lizensierten Diensten Spotify und Deezer. Dem VUT geht es zukünftig darum, einen marktgerechten Preis für Streaming zu erreichen, der für alle Dienste gilt. Dafür arbeiten Verena und ihre Kolleg*innen mit dem europäischen Dachverband Impala (Independent Music Publishers and Labels Association) in Brüssel zusammen. Bei der politischen Lösung müssen auch die unterschiedlichen Urheberrechtssysteme der europäischen Staaten berücksichtigt werden. Generell sei es wichtig, in der Öffentlichkeit, aber auch bei allen Beteiligten in der Branche, ein Bewusstsein dafür zu schaffen, wie Musik entsteht. Es liege auch im Interesse der Musikunternehmen, eine lange partnerschaftliche Beziehung mit ihren Künstler*innen aufzubauen und diese brauchen ebenso Partner, um erfolgreich zu sein.

Musikbranche & Geschlechterpolitik

Mit dem Thema Geschlechtergerechtigkeit in der Musikbranche beschäftigt sich der Verband intensiver seit zwei Jahren. „In der Kommunikation werde stets auf geschlechtersensible Sprache geachtet,“ sagt Verena. Zudem setzt sich der VUT für die Sichtbarkeit weiblicher Branchenmitglieder ein. Bei z.B. den jährlichen VUT Indie Days, einer mehrtägigen Konferenz mit vielen Panels, Workshops und Meet-ups im Rahmen des Reeperbahnfestivals, gibt es keine All-Male Panels mehr. Es sind in den letzten Jahren ungefähr 50% Speakerinnen auf der Bühne. Seit diesem Jahr hat der VUT selbst eine Vorstandsvorsitzende, Désirée Vach, die ich hier bereits vorgestellt habe. Verena ist überzeugt: „Die Musikbranche ist eine ganz innovative Branche, deswegen glaube ich einfach daran, dass sie auch das Diversitätsthema anpackt und weiter vorantreibt.“